electric dreams

Victor Arruda

Um dos grandes artistas da chamada Geração 80 no Brasil, Victor Arruda, em verdade, experimenta com a pintura desde o final dos anos 1970, durante a ditadura militar. Com imagens que remetem à cultura visual das histórias em quadrinhos, suas imagens trazem narrativas muitas vezes pautadas na sexualidade, no humor e no cotidiano de uma cidade caótica e desigual como o Rio de Janeiro. Encontros efêmeros, relações abusivas e diferentes compreensões identitárias do que seria o corpo humano povoam suas pinturas. Os trabalhos mostrados nessa exposição são inéditos e se referem a uma nova série onde o artista reflete sobre sua própria trajetória. Sua maneira de segmentar o espaço e a narrativa é mantida, assim como a forma como suas cores e partes do corpo humano se espelham e repetem nas diferentes áreas das telas.

Thiago Barbalho

A cor é um dos elementos centrais da pesquisa de Thiago Barbalho. Sobre o papel, o artista cria acúmulos de imagens que trazem cores fortes e muitas vezes destoantes entre si. Pequenas imitações de objetos e situações, olhos coloridos e formas geométricas estão aglomerados e não cedem espaço vazio um ao outro. Essa amálgama de informações visuais tão destoantes, quanto observada de longe, curiosamente resulta em um conjunto harmonioso; sobre a superfície dos seus trabalhos nossos olhos podem repousar por toda uma vida e sempre seremos capazes de descobrir novos detalhes. Além de um desenho de grande escala, nesta exposição também é mostrada uma série de desenhos menores realizados durante uma viagem do artista à Amazônia peruana, em diálogo com o povo Shipibo Konibo.

Cristina Canale

Desde suas primeiras exposições realizadas na década de 1980, Cristina Canale se debruça sobre a linguagem da pintura. Explorando inicialmente a larga escala, mas no decorrer das décadas seguintes experimentando com os mais diversos tamanhos, as imagens da artista se encontram no limite entre o que poderia ser a abstração e a figuração. Manchas de cor podem preencher tanto padrões encontrados em roupas, quanto elementos de paisagem, mas sempre há um elemento em suas composições que traz a lembrança de algo imitativo. A obra que mostramos nesta exposição, Lacrima Christie, é de 1989. Ela faz parte de uma série de pinturas que a artista fez nesse período e que respondiam – tanto quanto às suas cores, quanto ao seu formato – a certas concepções da pintura de paisagem.

Virgílio Neto

Experimentando com o desenho desde o início de sua trajetória, as imagens feitas por Virgílio Neto se dão a partir da sobreposição e soma de elementos visuais e textuais. Diversos formatos são articulados – desde trabalhos únicos fragmentados em diversas folhas de papel até desenhos dispostos diretamente sobre o chão. É nos detalhes que sua investigação se apresenta ao público – frases em inglês e português, pequenas citações à história da arte e texturas dos mais variados tipos que apenas certo domínio do lápis e da aquarela torna possíveis. Nosso olhar é convidado a percorrer essas nuvens de imagens, acessar o nosso próprio inventário pessoal de imagens e afetos e, a partir daí, dar continuidade às narrativas sugeridas pelo artista.

Renato Pera

Imagens do absurdo tem sido um dos interesses recentes na pesquisa de Renato Pera. O artista tem evocado um imaginário pop que cita filmes de terror por meio de mídias como a manipulação digital, o vídeo e a fotografia. Longe do interesse em um olhar documental para o mundo, Pera prefere explorar as artificialidades da imagem. Nessa série extensa de desenhos, ele cria imagens que respondem a um imaginário amplo sobre a ideia de “bactéria” – 80 imagens coloridas são instaladas e, assim como em um laboratório fictício de microbiologia, o público é convidado a ver suas diferentes formas, cores e tamanhos. Em um momento histórico ainda assolado por uma pandemia, as imagens sugerem uma relação nossa com a ciência que se move entre a obsessão, a esperança e o delírio.

Maya Weishof

As relações entre corpo humano, pintura, cor e excesso são essenciais para a pesquisa de Maya Weishof. Utilizando uma ampla gama de cores, suas imagens trazem corpos – em especial corpos femininos – em torções cujas posições nos colocam em dúvida entre a violência e a sensualidade. Dialogando com as tradições visuais de afrescos clássicos, a artista opta por geralmente trazer ao público uma cena maior e central rodeada por outras pequenas narrativas paralelas. Esse conjunto de informações visuais é embebido pela maneira como a artista usa suas cores, confunde o nosso olhar e, assim como outras artistas dessa exposição, nos convida a um largo período de contemplação.