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A linguagem escultórica constitui grande parte da produção de Amelia Toledo. No final da década de 1950, a artista inicia uma investigação baseada na passagem do plano ao volume, inspirando-se nos trabalhos de Max Bill e Jorge Oteiza, que haviam sido exibidos nas edições iniciais da bienal naquela década. Suas primeiras incursões nessa linguagem, partem de um procedimento simples de cortes e dobras em chapas de diferentes metais, que podem ser recobertas de cor. Na década seguinte, Toledo estuda as superfícies espelhadas, côncavas e convexas, elemento característico de sua produção tridimensional, que refletem e deformam o espaço circundante. Apesar de fazer uso de materiais industriais, a artista entende essas experimentações ainda no âmbito de sua pesquisa que visa dar protagonismo à natureza, tendo em vista que esta passa a ser refletida e multiplicada nas superfícies espelhadas do metal, Caleidoscópio é exemplar dessa prática de Toledo. Criado originalmente como instalação permanente para a estação de metrô do Brás, em São Paulo, o trabalho é composto pela disposição de chapas de aço inox, polidas e coloridas, com o intuito de criar uma espécie de labirinto aberto, no qual o público se desloca, percebendo os reflexos distorcidos, devido às curvaturas das placas de metal, que ali se projetam.

Os trabalhos escultóricos de Angelo Venosa usualmente nos remetem a fósseis, fragmentos ou corpos inteiros de criaturas desconhecidas, fazendo-nos refletir sobre as diferentes temporalidades presentes no mundo, o passado, o presente e o futuro. De fato, suas figuras trazem algo de familiar e palpável, pela sua fisicalidade, ao mesmo tempo em que trazem algo de estranho e misterioso, por não nos permitir identificar um referente exato. Suas primeiras esculturas eram feitas a partir de estruturas de madeira, cujas configurações remetiam às formas e articulações ósseas, sendo posteriormente recobertas por tecido e resina, conferindo-lhes rigidez. Entretanto, esse revestimento, ou pele da escultura, não é uma constante em seu trabalho, que muitas vezes se configura apenas como uma estrutura evidente. Sem título (2021), é exemplar nesse sentido. Feita em aço corten, material investigado pelo artista desde o final da década de 1980, ela repousa no chão como se tivesse sido recém-descoberta, ou ali tivesse acabado de pousar, vinda de uma outra realidade.

A prática de Laura Vinci está voltada para o espaço, em especial suas relações com os corpos ali dispostos e com o tempo, muitas vezes a partir do conceito de efemeridade. Sem título é uma estrutura modular, feita em blocos de mármore que desenham uma grade no chão. Além de ser um dos princípios da arte moderna, a grade é um símbolo da ação racional do homem sobre o mundo, em uma tentativa de capturar e controlar a fluidez orgânica da natureza. Por outro lado, o próprio método de construção do trabalho pode remeter ao universo lúdico do jogo, tendo em vista as possibilidades de transformação na sua estrutura que, mesmo apelando para o rigor modular, não deixa de apresentar possibilidades dinâmicas.

Entre a surpresa e o que espera é formado por um grupo de esferas, esculpidas primeiramente em madeira e então moldadas em ferro, de modo a estabelecer uma variedade de tamanhos e texturas. A primeira edição do trabalho foi disposta em diversos espaços públicos, onde, a cada noite eram movidas para outro lugar, surpreendendo continuamente o público. Ao exibir sua obra sem aviso ou contexto definido, Marcelo Silveira propunha uma forma de relação com o objeto artístico que não fosse mediada por qualquer discurso, proporcionando uma experiência direta com este. As esferas foram colocadas em diversas calçadas movimentadas de Recife, perturbando os transeuntes, despertando sua curiosidade e atenção. Estes, ao se depararem com essas formas misteriosas, com funções desconhecidas e em lugares inesperados, inevitavelmente, especulavam sobre seu significado.

A nipo-brasileira Tomie Ohtake possui diversas obras públicas espalhadas pelo país e, em especial, pelo estado e pela cidade de São Paulo, lugar que elegeu como sua morada. Desde 1983 a artista realizou projetos para o espaço público em aço recoberto por uma camada sólida de tinta. Contudo, foi por ocasião de sua participação na 23ª Bienal de São Paulo, em 1996, que Ohtake criou uma série de esculturas tubulares em aço, cujo aspecto remete à uma linha tridimensional suspensa no espaço, inaugurando mais uma fase formal que viria a florescer nos anos seguintes. Uma das estruturas foi pendurada no vão do Pavilhão da Bienal, criando um diálogo com a sinuosidade das linhas de Oscar Niemeyer, enquanto outras eram dispostas diretamente sobre o chão.